Todo está listo. Hoy lunes 02 de diciembre, a las 15:00 horas, en la Casa de los Tenientes Gobernadores de Huancané, se llevará a cabo la conferencia magistral sobre los 100 años de los “Heraldos Negros” de César Vallejo y, al mismo tiempo, la presentación de los libros “César Vallejo y sus amigos puneños”, “Club Libro y Deporte Humberto Luna”, “Completamente solo y sin esdrújulas”, del reconocido escritor, poeta, ensayista, narrador y gran promotor de la cultura aimara, José Luis Ayala Olazával (Huancané, 1942), actividad que es organizada por Wiñaymarka Editores.

Hablemos sobre su libro, “César Vallejo y sus amigos puneños”…

El más íntimo de sus amigos puneños fue Gonzalo More, aunque el primero en conocerlo fue Ernesto More en 1912, luego Carlos More lo conoció en París y tuvo con el poeta una entrañable amistad. A través de los libros de Anais Nin, se puede apreciar el grado de amistad de Gonzalo y Vallejo. Emilio Armaza lo conoció a Vallejo en Lima; Carlos Oquendo de Amat conoció a Vallejo cuando estudiaba en el colegio Nuestra Señora de Guadalupe. Con Gamaliel Churata tuvo una polémica. José Patrón Candela se ocupó del juicio que tuvo Vallejo en los tribunales de Trujillo. José Portugal Catacora ha trabajado acerca de los talleres de textilería que dirigió Carlos More en 1940, habiendo fallecido ese año en un accidente automovilístico en la puesta de Cacuña, camino a Vilquechico.

¿Qué nos puedes decir del “Club Libro y Deporte Humberto Luna”?

Se trata de una generación de jóvenes huancaneños que decidieron tomar el nombre del director del Colegio San Carlos de Puno, el doctor Humberto Luna. El 1 de enero de 1929, los jóvenes huancaneños se agruparon para desarrollar actividades deportivas, pero mucho más de orden cultural e intelectual. Recibieron conferencias del doctor Francisco Chukiwanka Ayulo, Carlos Oquendo de Amat, Mario Franco Hinojosa, Mateo Jaika, Abraham Valdez. Los jóvenes, después de la ruptura entre Haya y Mariátegui, se orientaron hacia el aprismo y comunismo.

Aparte de su libro “Completamente solo y sin esdrújulas”, ¿qué otros libros ha escrito?

Después de ese libro, he escrito dos libros referentes a la necesidad de repensar el Perú desde el sistema educativo. La idea es plantear un sistema educativo con valores humanos, éticos y morales, frente a la crisis total del sistema educativo y la crisis de valores que la sociedad peruana experimenta hoy día. Creo que es necesario plantear una distinta forma educativa, a fin de que responda a un proyecto cimentado en la decolonización y la dependencia del Estado peruano que ha entrado a la última fase de una crisis total.

¿Si tuvieras que elegir un escritor puneño con el que charlar un rato, a quién elegirías?

A Gamaliel Churata, Carlos Oquendo de Amat y Alberto Mostajo. Cada uno de ellos es un universo de renovación y, al mismo tiempo, de la necesidad de repensar la poesía como un oficio indispensable. Estos tres poetas conforman cualquier antología de la poesía de América Latina.

 ¿Existe algún poema conocido que le hubiera gustado componer?

No. Mi poesía no se parece a ninguna, es distinta y cada poeta crea su propia poesía. Cada uno de ellos es una voz propia, intransferible. He aprendido de ellos, debido a la gran calidad literaria, sobre todo al registro propio que tienen. Todo poema es personal e intransferible.

Alguna anécdota curiosa que haya ocurrido en su vida literaria…

Muchas, tantas, que es difícil recordar todas, aunque tal vez pueda contar cuando en el Congreso de Escritores me confundían con Oswaldo Reynoso; muchas veces me he ganado la enemistad de algunos jóvenes porque creían que les mentía. En un Congreso de Managua (Nicaragua) estaba hablando Ernesto Cardenal y yo entré al auditorio. Al mirarme a mí y al mirarlo a Ernesto Cardenal, pensaron que yo era su hijo. Yo dije que no era mi padre sino mi tío, por lo que tuve que acercarme a él y darle un abrazo, tengo una fotografía con él.

¿Y qué nos puedes decir de los 100 años de los “Heraldos Negros” de César Vallejo?

Cuando se publicó el libro sin el prólogo de Abraham Valdelomar, el libro tuvo una escasa repercusión en la crítica literaria de Lima, no fue recibido con verdadero entusiasmo; al contrario, tuvo un vacío, por lo que Vallejo se sintió responsable. Sin embargo, al cumplirse este año 100 años de existencia de ese libro, se ha convertido en la piedra angular de la poesía escrita en idioma español. El nombre de Heraldo, que es mensajero, significa que Vallejo es el mensajero de una nueva poesía destinada a perdurar en el tiempo.

¿Cómo nota la cultura huancaneña?

Huancané es una provincia de origen aymara, quechua e hispano. Estas tres corrientes sanguíneas, que fluyen diariamente, renuevan una antigua sociedad, cuyo origen se remonta a la cultura del Tiahuanaco, atraviesa los reinos aymaras hasta que se produce la llegada de los incas al Altiplano. En 1535 se produce la invasión española, se impone la Colonia y luego viene la República. Vivimos ahora una crisis total y es necesario fundar la República Andina, toda vez que cualquier intento de reforma constitucional sería como darle una aspirina a un enfermo de tuberculosis.

Algún mensaje para los jóvenes que se quieran dedicar a la literatura…

Lo primero que tienen que hacer es leer los grandes y mejores libros en español, asumir la responsabilidad de fundar una literatura alimentada con la cosmopercepción del hombre andino. Tiene que ser un deicida. Es decir un asesino de Dios, alguien que mate a Dios porque lo que ha creado es imperfecto, de modo que el poeta o escritor crea de nuevo la realidad para hacerla menos sufrible y acercarle a la vida para que pueda disfrutar de la plenitud de la condición humana.

Por: Walter Paz Quispe Santos Y Mauro Eloy Sucapuca Cutipa

La pintura puneña tiene un extraordinario representante en Wily Cáceres Quispe, que ha logrado méritos y proponer una concepción estética del arte basado en la técnica de la acuarela. No solo tiene la predilección por representar paisajes rurales, sino también escenas puneñas de antaño, como esas callecitas antiguas empedradas con sus canaletas de agua al medio, construcciones coloniales con sus rasgos tradicionales de tejas y adobe. Hay una sucesión de personajes retratados con soltura, buen manejo de los colores en la composición muy propios de su personalidad y estilo. Wily Cáceres es soberbio al mostrar la naturaleza altiplánica en su belleza artística. Sus apariciones en exposiciones colectivas siempre ha despertado un vivo interés del público, lo mismo diremos de sus exposiciones individuales.

Nació en el distrito de Pomata, pero realiza sus estudios básicos y superiores en Puno y Arequipa. Además de su trabajo como artista, desde muy joven laboró como diseñador en distintas instituciones, ingresando como docente a la Escuela Superior de Formación Artística Pública de Juliaca en el 2002, donde actualmente es profesor de la especialidad de artes plásticas y visuales, además de enseñar arquitectura y urbanismo en la Universidad Andina Néstor Cáceres Velásquez. Permanece actualmente en Puno, es integrante del grupo pictórico “Apacheta”; el estudio y sus constantes viajes lo mantienen al día en las nuevas propuestas. Desde 1992 ha obtenido varios premios de pintura y acuarela a nivel nacional e internacional, como los siguientes: en 1993 ganó Medalla de Oro promoción Aurelio Medina Pacheco en la Escuela de Bellas Artes Puno, en el año 1994 ganó primer lugar en el concurso nacional de pintura “Nuevos Artistas” organizado por el Banco de Crédito del Perú en Lima, en el 2014 ocupó el segundo lugar premio nacional de la Derrama Magisterial en Lima y ocupó el primer lugar en pintura rápida en acuarela en Taraco en el 2019.

A Wily Caceres lo hemos visto impartiendo su experiencia y sabiduría del mundo del arte en las aulas de la ESFA de Juliaca, donde fuimos colegas. Hay en él un talento inefable cuando busca motivos para llevarlos al mundo de la acuarela. No es un artista que requiere una disciplina diaria para expresar un trabajo logrado, sino un pintor que en la circunstancialidad salta con un pretexto que sorprende a muchos por esa fervorosa imaginación y perspicacia para ubicar excelentes tópicos que abordan sus acuarelas. Alguna crítica ha destacado el tratamiento de los verdes y azules en sus cuadros, esa prototipicidad es sugerente porque lo diferencia de otros artistas dedicados a la acuarela. Intimista y melancólico es un fino cronista del pasado urbano. Finalmente, Wily Caceres en Cochabamba – Bolivia, ha logrado conseguir otro premio internacional para Puno que celebramos con mucho beneplácito.

Por: León Ramiro Arapa Chura

Cuando se trata o se habla del arte de la música, el ser humano desciende a la profundidad del corazón, del alma, y desde allí exterioriza su forma más innata para dar a conocer a sus semejantes y a los tímpanos del oyente aquello que fluye con profundo sentimiento y los da a conocer con amor, con pasión y ternura. Por ello, me dirijo a todos los familiares, amigos, sikuris y seguidores de la música huancaneña y del departamento de Puno; para, modestamente, recordarles que en mis 50 años de arraigo musical, confieso que pude sopesar con algunos problemas, y muchos logros también, al integrar varias instituciones musicales de gran prestigio, como El Centro Musical de Danzas y Teatro Los Chiriwanos de Huancané, que se fundó en 1968, al que dediqué muchos años como integrante y compositor de obras musicales de creación propia de música y letras, y en otros casos, solo las letras, respetando a los autores en cuanto a  la melodía se refiere. Con este prestigioso grupo musical, junto a mi hermano Eladio Castillo como primera voz y la mía, como segunda voz, se logró la realización de seis producciones discográficas: “Centro Musical Chiriwanos de Huancané” del año 1974, “A Ti Huancané” Vol. 1 y Vol. 2 del año 1977,“Huancané Criollo” del año 1978, “Siempre Chiriwanos” del año 1995, “Sabor Chiriwano” del año 1994 y“Sentimiento Huancaneño” del año 2004.

Se obtuvieron lauros como subcampeón en el año 2002 y campeón el año 2001 en Puno, organizados por la FEDECME, y en tres oportunidades campeón en el concurso de pandilla puneña en los años 1997, 1998 y 1999 en la ciudad de Juliaca.

Estudiantina del Colegio Nacional de Varones de Huancané (CONAVA), dicha estudiantina tiene sus inicios durante el año 1958, se participó en varios eventos musicales, resultando ganadores en el concurso departamental realizado en la ciudad de Lampa. Posteriormente, transcurrido algún tiempo, en la ciudad de La Paz, se concretó la grabación de una producción en CD. En el cual, junto a mi hermano Eladio Castillo interpretamos dos canciones, cabe destacar que fui autor de letra y música del Himno a la institución donde trabajé en el Colegio Nacional de Varones de Huancané.

Estudiantina “Alma Huancaneña” de Arequipa, participan como integrantes una mixtura de connotados músicos, artistas puneños y arequipeños: Juan Lauro, Oscar Bueno, Alcides Catacora, Ciro Goyzueta, León Ramiro Arapa, Emilio Herrera, Hnos Pacheco Cuadros Jose y Miguel, Hnas Vargas Perea Zenaida y Mary, Félix Salazar, José Luis Sánchez, Percy Tito, Héctor Catunta, Ricardo Luque y entre otros) y se llegó a plasmar producciones en formatos en DVD y CD: “No me olvides”, realizado el año 2001 y la segunda producción denominada “Puno Querido” realizada el año 2009.

Agrupación Musical “Sangre Chiriwana de Huancané”, interpretado por reconocidos grandes y buenos músicos huancaneños, que por diversas razones dejaron de pertenecer a los Chiriwanos de Huancané. Se produjo tres producciones discográficas en CD y DVD, grabadas en los años 2005, 2007 y 2010.

Estudiantina Ilave, se conformó esta institución musical gracias al desplegado esfuerzo de ilaveños residentes en la ciudad de Arequipa, poniendo cada integrante lo mejor de sus obras musicales y se plasmó la grabación de dos producciones, la primera denominada “Recuerdos de Ilave” en el año 2013 y posteriormente “Ilave Tierra Promisora” en el año 2016.

En otro gran esfuerzo en el año 2017, junto a familiares y otros amigos querendones se forma la agrupación denominada “Uma Jalsu”, con el fin exclusivo de rendir homenaje a personas muy queridas por todos nosotros y que partieron a la eternidad, como son mi hermano Eladio Castillo, quien dejó de existir en 2016; mi prima Naty Mamani de Espezua, esposa de mi primo Luis Espezua Gallegos y mi recordado primo Francisco Espezua Gallegos, hermano de Luchito. Habiéndose grabado en memoria de ellos el álbum denominado “En el Camino” el año 2018, cantando esta vez únicamente con mi hermano Víctor Castillo.

“Centro Musical Chiriwanos de Huancané”, es que después de tantos años transcurridos y gracias a la iniciativa de viejos amigos de música es que se forma esta agrupación musical habiéndose logrado una grabación denominada “Chiriwanos” en el año 2017.

Es cuanto puedo hacer memoria de esta travesía musical, sin antes agradecer a todos los músicos que me indujeron a realizar semejante proeza y como no agradecer también al pueblo huancaneño, puneño y del Perú, quienes tuvieron a bien seguir de cerca el esfuerzo desplegado por todos estos años y a la vez agradecer infinitamente por difundir e interpretar mi obra musical “Celosa” (autor de letra) a todas las agrupaciones musicales, estudiantinas y sikuris.

Un abrazo a todos y en especial a mi familia: Delia (esposa), José, Miguel Ángel, Paúl y Gabriela (hijos) y recuerden que la música es el mejor instrumento para soñar y ser libres

El narrador Fidel Mendoza, coterráneo de Guzmán Emilio Huanca Yanariko, el embajador de los aimaras que pinta: “Desde el corazón de Jakantaya expresa un lenguaje universal al estilo Humareda, que de la pintura hace una pasión”.

Fidel Mendoza Paredes

Guzmán Emilio Huanca Yanarico es heredero de la “progenie más pura” de los achachilas  “para que sepa el mundo lo que vale el aimara” que había proyectado Dante Nava en el “Orgullo aymara”. Alimentado desde su niñez con la exquisita experiencia de las vivencias en la comunidad de  Jacantaya. Las hierbas, la salvia, la muña, las kantutas [qantutas], los chiwank’us y los ajayus, le han dotado del conocimiento más privilegiado que solo tienen los yatiris. En el mundo aimara todo es todo, y todo tiene un significado, existe un profundo respeto por la naturaleza; el respeto a la vida y también a la muerte, solo que la muerte para el aimara no es un castigo, sino una forma de retornar a la tibia vientre de la naturaleza.

Su acuarela se inscribe en el realismo, pincelando la naturaleza, la belleza de la mujer, las costumbres y vivencias, expresando una verdad material a través de la acuarela. Guzmán Emilio Huanca Yanarico, sintetiza sus experiencias a través del arte, y es uno de los aimaras más universales.

La zona aimara desde las pampas de Huancané y Moho, fueron los mayores escenarios de los conflictos sociales con el Perú oficial, al extremo de fundarse la ciudad de las Nieves de Huancho-Lima, la nueva Capital de la República del Perú no oficial, caso sui generis ocurrido en la revolución de 1923, una especie de retorno de Tunupa, para reordenar los días, y la organización social. A partir de estos aprendizajes en la obra de Guzmán Emilio Huanca Yanarico, están presente íconos del pensamiento aymara en el desarrollo temático de su trabajo, es así, por ejemplo en la acuarela “Nanaka Jumanaka” (nosotros ustedes) un lema público escrito sobre una pared de adobe techada con tejas, con dos ventanas de madera, en la pared y en las ventanas se aprecia el transcurso del tiempo, allí se leen otros lemas entre las ventanas “Jupanaka Jiwasanaka” (ellos nosotros) y a un costado de la ventana se lee un tercer lema “Takenaka [taqimnaka] Perú Markasa”  la acuarela es una fotografía en las manos de Guzmán Emilio Huanca Yanarico, no falta ningún elemento con colores adecuadamente distribuidos, se aprecia el cuidado en los mínimos detalles como la caída de las sombras, el fondo, cielo y su nubosidad mezclado con un cielo azulino, todo está perfectamente elaborado como mucha maestría. Pero, también en la acuarela están los mensajes impartidos que se tornan en inclusivos y aglutinantes, en unificador y comprometedor, el sueño del Perú como una sola nación, José Carlos Mariátegui había afirmado “… desde hace tiempo, que somos una nacionalidad en formación” es cierto, no somos una nación, sino una nación en formación. La nación aimara tiene sus propias perspectivas y estas perspectivas se aprecian en la acuarela, que ha llevado sus propuestas y representaciones más allá de las fronteras haciendo que la cultura aimara sea expuesto en otros continentes, siguiendo la línea de León Tolstoi «Pinta tu aldea y pintarás el mundo».

“Músicos del Altiplano” es otra de las acuarelas donde se aprecia a un grupo de músicos ejecutando el pinquillo [pinkillu], la melodiosa flauta para celebrar y bailar en los carnavales en torno a los sembríos de papa, oca, e isaño  [isañu], para agradecer a la Pachamama por los alimentos que nos brinda. La pinquillada también en el ideario aimara es la música celestial para recibir a los hombres y mujeres que se fueron a morar a algún lugar del alaj pacha (mundo de arriba/ [alax pacha]) y volverán sus almas entre nosotros al medio día del 1 de noviembre de todos los años, se los deben recibir con la pinquillada y sea de su agrado su estancia entre los vivos, y también se despide a las almitas al compás de su melodioso ritmo al medio del 2 de noviembre, se irán de retorno al alaj pacha llevándose las ofrendas en el lomo de las llamas de pan que cobrarán vida para acompañar a las almas. Esta acuarela de Guzmán Emilio Huanca Yanarico, resume la cosmogonía del mundo aimara y su vigencia como una de las mayores herencias culturales del continente, quien con autoridad testimonia sus vivencias y simbologías, la acuarela es una forma de darle al legado cultural una presencia viva representado en colores.  

Los instrumentos musicales la zampoña, la tarka [tarqa], el pinquillo son parte de las vivencias del hombre aimara, su musicalización es el inicio y la culminación de sus sueños, el sagrado pacto para garantizar y conservar su presencia a través de la promesa de amor en los carnavales, el pasaporte al inframundo. El tema “Camachito”/ [kamachitu] interpretado por Qhantati Ururi de Conima, es un himno, es más que un himno una sagrada letanía, interpretado en ocasiones especiales, seguramente estos ritmos desde su niñez forjaron en el celebrado Guzmán Emilio Huanca Yanarico, una visión diferente sobre el mundo aymara, así que estos sentimientos están representados en la acuarela “Don Jorge” ejecutando una zampoña de siete cañas, se denota una nostalgia en las arrugas del rostro de “Don Jorge”, cuando se ejecuta la zampoña se hace con la misma vida, con el alma como si fuera la última vez besando y soplando las cañas, la zampoña es una eterna compañera del hombre, la zampoña es el instrumento más engreído entre los instrumentos musicales andinos, sin embargo, todos los instrumentos tienen una valía ancestral que son parte de un legado histórico. 

Al respecto Raúl Prada Alcoreza, afirma: “Los instrumentos musicales andinos de percusión y de viento combinan el latido y la fuerza eólica, la palpitación de la vida y el soplo vital, la pasión y el aliento o la respiración, como expresiones del secreto del mundo y la afirmación de la vida” (“Subversiones indígenas”).

La obra pictórica de Guzmán Emilio Huanca Yanarico, ha sido expuesto en las mejores galerías de arte de Estados Unidos, Europa, África, Asia y América Latina, mereciendo el reconocimiento y Premios su genio creador. Para los aimaras su destacada presencia en todos los continentes resulta de vital importancia, porque representa al aimara universal, lo que occidente ha bautizado como “ciudadano del mundo”; en otras palabras es el mensajero contemporáneo de la nación aimara enviado a otros continentes para hacer universal la cultura aimara, encarnando el rol que dejó como tarea Carlos Condorena, el Primer Presidente indígena del Perú no oficial, Guzman Emilio Huanca Yanarico, es el embajador de los aimaras de la pintura que hace una qantuta desde el corazón de Jakantaya, con un lenguaje universal.

Por: Juan Pío Mamani Chambi

Yanariko

Es el hijo de Jacantaya – Moho, que el mundo del arte alumbró a las orillas del Titicaca; el descendiente del alarife de la pintura de los fundadores del incario, contemplando los míticos qhantatis, que aprendió a adorar la naturaleza y con devoción, los paisajes de su origen, donde aún se preserva el paraíso perdido… Guzmán Emilio Yanariko salió de Puno cargado de imágenes, para recorrer los destinos del Perú y del mundo. Gestó la Asociación de Artistas Plásticos Luces del Sur, para hacer del pincel su pasión y dedicarse completamente a la pintura, para exponer y ganar un sinfín de premios nacionales e internacionales. En efecto, obtuvo distinciones como el Primer Premio “Salón Internacional de Acuarela de A’iguillon” (Francia, 2012). Sus exposiciones las realizó en Francia, Suiza, España, Turquía, Slovenia, China, EE.UU, México, Colombia y Chile.P

Yanarico es el nombre artístico del jilata aimara Guzmán Emilio Huanca Yanarico, natural de Jakantaya-Moho. Egresado como Bachiller en artes Plásticas de la escuela de Bellas Artes “Carlos  Baca Flor” de Arequipa (1980-1984), en la que también se formó en docencia. Asimismo, es fundador, miembro y expresidente de “Luces del Sur Arequipa». Realizó exposiciones individuales durante 25 años, desde el 2013. Su reciente exposición data hace un año, en la ciudad de Puno, titulada “Yanariko: pincelada aimara homenaje a Puno (2018)”. Entre las distinciones que alcanzó fue en Taiwan, denominado «Art Revolution Taipei- 2018».

Finalista en el concurso Internacional de Artistas de Gran Premio (I.A.G.P.C.) (2018), en el mismo año, participó en el Festival Internacional URBINOin ACQUERELLO-Italia. Del mismo modo, participó en el Festival Internacional FABRIANOin ACQUARELLO-Italia. Sus exposiciones realizó en el Trienal Internacional de acuarela “Santa Marta”- Colombia. Y en los “Paisajes Peruanos” Galería de Arte «Art Tower» de la ciudad de Bakú, Azerbaiyán, organizada por la Embajada del Perú y el Ministerio de RREE del Perú.

Relata que: “Es un honor para mí realizar por primera vez esta presentación en la ciudad de Puno, una ciudad llena de magia y cultura. El Perú, es un país con una historia muy rica, somos descendientes de una cultura exquisita en arte y adelantada para su tiempo.  La magia del color y el agua, tan antigua como las primeras manifestaciones del hombre me permiten a seguir cultivando, esta “afición” a pintar y dibujar que no es otra cosa el afloramiento natural que busco exteriorizar en especial predilección la maravillosa naturaleza. Vengo de un lugar muy bello y de mucho color a orillas del lago  sagrado de los Incas donde nací (Jacantaya, Moho) muy cerca al sol, llena de luminosidad donde me sirven de inspiración los colores que decoran los caminos de los Incas, tengo el estímulo de mis antepasados tejedores, hilanderos, escultores, artesanos, músicos y danzas de la cultura aymara, que tuvieron la extraordinaria predisposición hacia el arte, color y la pintura”.

Confiesa que: “En la escuela de Bellas artes recibí los consejos de los colegas, amigos pintores y las enseñanzas de los maestros del arte Oswaldo López Galván, Carlos Ticona, Carlos de la Riva, Teodoro Núñez Rebaza, Germán Espinoza Salas que guardo un afectuoso recuerdo de ellos por la enseñanza. Con esta serie de obras plasmadas en acuarela y óleo trato de resaltar la cosmovisión andina fusionando la estética y el color de las antiguas culturas más la naturaleza actual.

Valora su localidad, en la que: “Las acogedoras galerías de la ciudad de Puno brindan un espacio para realizar esta muestra, y agradezco por su constante apoyo al arte y a los artistas peruanos, por seguir promoviendo la cultura, al mismo tiempo, expresar una cordial y reiterada felicitación”. 

¿Por qué retornar tantas veces a Jacantaya?

Jacantaya, es un bello lugar donde vi por primera vez la luz, el amor de “mamá”, el color, el azul del lago, el verdor del campo, el colorido de los andenes… Donde tuve mis primeros amigos y hermanos que compartimos diversos juegos, el mismo paisaje, las ovejas, las vacas, las aves silvestres y domésticas, etc. Éramos cómplices de la luz, aromas, sonidos que albergan mis sentimientos. Donde recibí las primeras enseñanzas y letras del hogar y mi escuelita particular en la cual supe que el mundo era muy grande con diversos continentes y océanos, también supe que existía un País llamado Perú. Hay un dicho que dice “Uno siempre vuelve a los viejos sitios donde amó la vida” o también del otro verso del cantante Joaquín Sabina, “quizás al volver de nuevo a esos lugares que han marcado tu vida ya no podrás volver a verlos igual”.

En algún evento mundial, hay algún catálogo en China, en el que cual aparece escrito en tu lengua materna, ¿qué piensan los extranjeros de la lengua aimara?

Sí, existe miles de lenguas, en este catálogo hubo muchos artistas de todo el mundo en la cual cada artista tenía que enviar una frase en su lengua nativa y personalmente me tocó enviar en mi lengua materna que es el “aimara” y fue una ventana de hacer conocer el habla en la vida cotidiana considerablemente de esta región como identidad de una población considerada. “Cuando hablas el idioma, ahí está toda la cultura aglutinada: el llanto, la risa, las bromas”, “nuestros ancestros vivían en comunión con la Madre Tierra y con el cosmos. Respetaban a las plantas, a los animales, a las piedras sagradas, a los cerros y a las deidades. Convivían: pareciera que cada objeto tenía vida para ellos.

¿Por qué es importante la identidad en la pintura?

La identidad en la pintura está siempre en constante enriquecimiento por influencias que pueden venir de muchas fuentes, entre ellas el lugar o región de dónde venimos, con su carácter social, cultural y revelación de los aspectos esenciales de la realidad, que se transmiten en forma de imágenes artísticas.

¿Cuál es la función de su arte en la sociedad?

El arte cumple las funciones de comunicar, educar y formar valores, donde el hombre puede adquirir visiones, concepciones y conocimientos relacionados con su arraigo cultural y su identidad, que permiten la conservación de elementos socioculturales necesarios para compartir un mismo espacio cultural y de pertenencia. Visto que toda producción artística es, por su contenido, popular, atractiva, estética y seductora de grandes multitudes, entonces deviene importante medio para el conocimiento y reflejo de la identidad cultural de toda región.

El fenómeno estético en su sentido propio es la vivencia plena que el hombre completo obtiene de la totalidad de la vida; es el proceso dinámico en el que el sujeto creador o el receptor se identifican con el mundo, con la vida real y vivida. La obra de arte en sí, el producto artístico como creación, cerrada y armónica, representa en realidad una interrupción del proceso estético vivo de  interrupción que se produce inevitablemente en cuanto a la conexión artística entre idea y valor se le arrebata el fundamento objetivo de la vivencia y se desprende de la función que ésta destinada a cumplir en la vida de los hombres.

El arte refleja la realidad del modo más perfecto, vivo y penetrante mientras persevera en sus rasgos más patentes; en cuanto renuncia a estos, sus representaciones pierden la fuerza evocadora de efecto inmediato. Por lo tanto el arte, por su forma y contenido, constituye un medio idóneo para reflejar elementos culturales con los que las masas se identifican.

En el año 2012, el esfuerzo y la perseverancia de un aimara hizo que ganara el “primer premio internacional de acuarela Aiguillón”, en Francia. Dinos algo al respecto.

En efecto, fue un gran honor para mí el haber obtenido este premio tan importante como imagen para mi país, donde que las emociones fluyen, es un salón Internacional que cada año se realiza, dónde hay un ganador con 50 artistas seleccionados e invitados de todo el mundo, en el cual  convivimos casi una semana puede ser que estés conversando con un Chino, Ruso, Canadiense o Africano, sin saber sus idiomas la comunicación son por señas y nuestro idioma universal “la sonrisa y el arte” una linda experiencia de convivencia.

¿Qué museos europeos necesariamente hay que visitar?

Hay innumerables museos en Europa y es muy sustancial recorrer o visitar las galerías o museos, se podría decir que visitar museos, es una de las mejores maneras de aprender acerca de temas diferentes, como la historia, la naturaleza y el arte. Lo que hace a los museos especiales en su capacidad de transportarnos a diferentes lugares y tiempos como un legado de sus artistas y tendencias, en recientes investigaciones han demostrado que las personas se sienten más felices cuando invierten en experiencias, en vez de cosas materiales las experiencias que tuve es ver a muchos niños en los museos como si estuviera en un aula recibiendo educación, lo que debemos promover en nuestros niños; cuando visitas una exposición, tienes la oportunidad de apreciar las distintas maneras en que los artistas ven el mundo. Creo que es imposible salir de un museo, sin haber obtenido alguna información o conocimiento durante una visita; los museos ofrecen una visión del pasado, del presente y el futuro, también nos permiten escapar a un tiempo y un lugar diferente.

Si podrias detallarme los museos, ¿de los que has visitado?

El museo del Louvre el más importante de Francia, es muy importante, majestuoso y uno de los más visitados en el mundo con una inmensa colección de obras de antigüedades orientales, egipcias, historia del arte medieval y arte islam. Entre las pinturas más importantes  del museo se puede destacar las siguientes: La Gioconda de Leonardo da Vinci, la Libertad guiando al pueblo de Delacroix y las bodas de Caná de Veronés. Entre las esculturas más sobresalientes son: La Venus de Milo de la antigua Grecia, el escriba sentado del antiguo Egipto y el Museo Sorolla: Es un museo estatal español donde quedé muy admirado junto a tres amigos míos, el dominio de la luz y el empastado en relieve, así como también los numerosos objetos que reunió como coleccionista durante su vida. Conserva el ambiente original de muchos espacios y el impresionante jardín.

Te has iniciado con el Óleo, ¿porque cambiaste a la acuarela?

Si, es cierto en la escuela de Bellas Artes “Carlos Baca Flor” de Arequipa, del cual egrese, enseñaban la técnica al óleo, dibujo y escultura como cursos básicos, y no acuarela como muchos podrían imaginar, dicen que Arequipa es la cuna de acuarelistas hay un dicho que dice: “En Arequipa levantas una piedra encuentras un acuarelista”, es muy fascinante los amaneceres con la bruma cuando está rayando el sol, y una gran variedad de verdes mis amigos decían que veían cerca de 80 gamas de verdes y poderlos pintar esa gran variedad era un gran reto.  La acuarela arequipeña tiene un espacio privilegiado en el Perú, con sus grandes artistas como el mismo Carlos Baca Flor, Vinatea Reynoso, los hermanos Teodoro y Alejandro Nuñez Ureta, Morales Guzman, Guillermo Mancilla, Luis Palo, mis paisanos Mauro Castillo, Carlos Ticona, entre  otros, que son como íconos a seguir.

En mi caso se manifiesta principalmente inspirado en la magia y el color, el haber nacido muy cerca al Lago Titicaca un espacio geográfico, cultural, el colorido de las danzas de mí niñez y el bello paisaje de las orillas del Lago Sagrado, Jacantaya con mucho color tanto el azul del lago, la gran variedad de flores y tierras que se quedaron en mi retina y siento que tengo la tarea de plasmarlos.

¿Cuál es la fecha de fundación de “Luces del sur”, y quiénes lo constituyeron, cuántos años transcurrieron?

“Luces del Sur” se fundó en la ciudad de Lima un día 6 de noviembre del año 2000, con una exposición en el conservatorio nacional de música con nuestra madrina Carmen Pinedo, entre los principales iniciadores de la asociación estábamos Elías Condori, Teobaldo Nina, y mi persona junto con obras de muchos artistas arequipeños. Son 19 años en las cuales pasaron grandes artistas acuarelistas por la asociación con cargos en la presidencia y exposiciones en diversos países de Europa y América. Nuestra actual presidenta es nuestra colega Libertad De Los Santos, y tenemos pensado realizar una gran muestra por los 20 años.

¿A quiénes mencionarías como antecesores del arte puneño y, a propósito, tienes esperanzas?

El arte puneño tiene una gran historia con grandes figuras como: Amadeo Landaeta Basadre, Carlos Rubina Burgos, Genaro Escobar, Carlos Dreyer (Alemania), Francisco Sosa Solano, Gustavo Zegarra Villar, César Francisco Montoya Riquelme (el último Layccakota/[layqaquta]), Luis Neira, Miguel Angel Cuadros, Manuel Talavera, Ernesto Lanza, Francisco Lino Coyla, Carlos Zegarra Salas, Felipe Cahuana Quispe, Victor Humareda, Juan de la Cruz Machicado, Peruko Copaccaty, Victor Turpo, o grupos como el círculo pictórico Layccakota, Grupo Quaternario y muchos artistas jóvenes que van surgiendo con gran futuro lo importante que Puno, como región tenemos muchas fuentes de inspiración que todavía está por explotar y plasmarlos…. personalmente soy muy positivo en que surgiremos con el arte pictórico.

¿Crees que es importante para un artista las medallas y resoluciones que un municipio o alguna institución del estado les otorga?

Una condecoración es un distintivo que se concede como honor y reconocimiento por la destacada labor, ejercido en un campo, pienso que es un estímulo a seguir esforzándose a la superación y representar con alto honor a un determinado campo o región y seguir contribuyendo al crecimiento del rendimiento y de la mejora de la calidad artística, profesional y/o vida cotidiana que es una constante competencia.

¿Qué pregunta les harías a los artistas puneños?

– ¿Estamos esforzándonos para ser mejores?

– ¿Tenemos muy buena fuente de inspiración, social, cultural, geográfico, flora y fauna, y estamos valorando o teniendo en cuenta lo nuestro?

– ¿Tenemos buenos profesores que nos inspiran en las escuelas de arte en nuestra región?

Emilio Guzman Yanariko, ¿qué piensa del arte digital? 

El Arte Digital es una nueva disciplina creativa de las artes plásticas que se puede aplicar en diferentes medios o soportes aplicando programas en medios digitales, principalmente usando un ordenador, es decir, una obra creada con tecnología informática. En este tipo de arte podemos destacar los soportes utilizados en videoarte, instalaciones interactivas, Net arte creada profesamente para la red internet como un resultado visual.

Emilio Guzman Yanariko, ¿qué viene después de la muerte de un pintor?

Quedan sus obras como un documento o legado para la historia, como tendencias de una época, así como vemos hasta ahora obras de artistas anónimos del arte rupestre, o grandes obras universales de diversos autores, se puede ver por siglos si lo conservamos en grandes colecciones o museos.

Por: Nilton Vela Dámaso

A lo largo del siglo XX, Puno aglutinó una pléyade de artistas e intelectuales que actuaron de forma individual y colectiva. De este modo, en la primera mitad del siglo XX, el medio artístico de Puno se vería marcado por un grupo sólido de pintores locales y no locales que, a partir de la década de 1930, fueron visibles a través de plataformas como ‘Cunan’ y el grupo ‘Laickaccota’, entre otras agrupaciones que desplazaron una actividad efímera, pero de gran importancia.

Posteriormente, en la década de 1950, los artistas puneños interactuaron a través del Instituto Americano de Arte y la Escuela Regional de Bellas Artes (ERBA) ‘Carlos Rubina Burgos’ de Puno; sin embargo, pasado este tiempo, la actividad artística puneña fue bajando su ritmo y, por ende, su producción no fue fructífera como en tiempos pasados, factor propicio para que los artistas puneños se formen en otras latitudes. Este fue es el caso de muchos puneños que fueron instruidos en las escuelas de arte de Cusco, Arequipa y Lima. Circunstancialmente, Arequipa sería la ciudad encargada de acoger a muchos de nuestros grandes valores del arte puneño. Por ejemplo, en los años de 1970, los pintores puneños Mauro Castillo y Víctor Turpo ya denotaban su impronta artística en el medio local y nacional. Ambos fueron formados en los talleres de la Escuela Regional de Bellas Artes (ERBA) ‘Carlos Baca Flor’ de Arequipa y como ellos, varios de nuestros coterráneos siguieron el mismo camino. Es el caso de los pintores Carlos Ticona, Alcides Catacora y Guzmán Emilio Huanca Yanarico, entre otros que egresaron en la década de 1980. De esta manera, estos pintores desarrollarían una carrera productiva fuera de Puno, haciéndose acreedores de los primeros puestos en los diversos concursos de pintura que se organizaban en Arequipa y Lima.

En este sentido, es importante conocer que, en la misma década, pintores autodidactas, estudiantes y egresados de la ERBA ‘Carlos Rubina Burgos’ conformarían el grupo “Quaternario”, un colectivo compacto que activo la escena local hasta los principios de 1990. En esta época, es meritorio indicar que los artistas puneños no solo se irían formando en Puno, sino también, en la ciudad de Arequipa, quizá con distintos lenguajes plásticos, pero ambos compartirían el mismo propósito, insertar el nombre de Puno en la historia de la plástica nacional. 

Yanariko y su contacto con Puno

Guzmán Emilio Huanca Yanariko, nació en el pueblo de Jacantaya en la provincia de Moho del departamento de Puno. Como mencione en el acápite anterior, él se formó en la ERBA ‘Carlos Baca Flor’ de Arequipa. Es cierto, además, que ‘Yanariko’ ─apelativo con el cual firma─ no fue parte de la impronta artística de Puno, a pesar que sus obras elogien el paisaje y las costumbres puneñas; Yanariko siempre ha considerado en su hoja de vida que es un puneño haciendo arte, y eso se refleja claramente en todas las exhibiciones y certámenes artísticos en los que ha participado. Es en una de estas presentaciones que conocí la pintura de Yanariko, exactamente, en uno de los Salones de Arte con Derechos (2007) exhibición que se llevó a cabo en el Museo de la Nación en Lima. Sin embargo, pude conocerlo recién en el año 2013 y, meses más tarde visité su taller en Lima, allí compartimos una extensa conversación; motivo perfecto para invitarlo a exponer en Puno. Aquel año se efectuó un importante salón de arte, del cual, fui parte de la organización y contar con Yanariko era propicio para que la ciudadanía puneña conozca su obra.

Entonces, podemos decir que, el primer vínculo de Yanariko con la escena puneña, sería a partir del año 2013. Posteriormente, participaría en exposiciones colectivas de gran relevancia en las galerías puneñas, en donde compartiría sala con un selecto grupo de acuarelistas puneños que fortuitamente fueron instruidos en Puno y Arequipa respectivamente. Luego, en 2018, Yanariko haría una importante exposición individual en la ciudad de Puno, aquella exhibición afincaría un lazo fraternal con la escena puneña. Actualmente, Yanariko ha decidido radicar en Puno y está culminando de instalar su estudio-taller en su tierra natal, Jacantaya. 

Su pintura: La nostalgia a través del paisaje

El paisaje puneño ha sido uno de los temas que Yanariko ha plasmado frecuentemente a lo largo de su carrera artística, aunque muchas veces su trabajo esta circunscrito a través de celebraciones costumbristas, donde el poblador local interactúa con el espacio que habita; aquí, por lo general el individuo se halla representado por su vestimenta típica y el espacio es idealizado a través de estructuras arquitectónicas austeras y ocasionalmente coloniales. Elementos que nos permiten reconocer un área geográfica en específico; sin embargo, su producción actual refleja escenas circunlacustres del lago Titicaca; de igual modo, se perciben escenas agrícolas y senderos andinos que pueden ser vistas desde los albores de la naturaleza, o también pueden ser observados desde escenarios ligeramente distantes, para ambos casos, la perspectiva juega un rol importante, además estas escenas pueden verse a través de dos ejes. El primer eje ubica al espectador dentro del cuadro y lo invita a recorrer los detalles del sendero; el segundo eje, aleja completamente al espectador, haciendo que observe lo diminuto que se ve el paisaje desde el horizonte, pero también, lo incita a reflexionar sobre la inmensidad de la naturaleza altiplánica.

En este sentido, las postales que Yanariko imprime en sus obras son el claro reflejo de una memoria nostálgica que le permite evocar circunstancias y festividades costumbristas que adoptó como suyas desde su infancia y, actualmente, las vuelve a recorrer, sentir y recordar, no solo como un transeúnte local, sino más bien, como un pintor que capta el instante perfecto, quizá su propósito sea encarar al espectador para sacarlo de su confort y atraerlo a contemplar un fragmento de su hábitat o posiblemente, solo quiera delimitar la escena para apropiarnos de ella y mantener un contacto emotivo.

Hans Belting, decía que, “en un caso, la imagen es un rastro del mundo; en el otro, una expresión del medio que la produce”. Es decir, Belting nos advierte que, las imágenes producidas por el pintor, son fragmentos atemporales del paisaje altiplánico los cuales derivan de un tiempo determinado, además las alegorías plasmadas ennoblecen los quehaceres de una población, en este caso, los de su tierra natal. Por ello, Yanariko explora el sentimiento de añoranza y lo traduce desde un lenguaje simbolista, haciendo que el paisaje evoque un rastro íntimo. Asimismo, el medio técnico en que han sido elaborados nos orienta a descubrir un camino antropocéntrico, donde el color funge a través de la línea y las veladuras diáfanas de pigmentos disimiles emergen como destellos de luz, sincronizando una gama variada de colores que se yuxtaponen entre sí; estos a su vez, conforman un equilibrio autónomo donde la percepción tonal se encarga de evidenciar los sentimientos más puros de la belleza altiplánica.

En conclusión, Yanariko es un artista puneño que nos representa a carta cabal, además nos recuerda que tanto como él, muchos de los artistas puneños que no necesariamente están insertos en la historia local y que circunstancialmente están inscritos dentro de la escena de la plástica nacional e internacional ejercen una carrera profusa que debe enorgullecer a todas y todos los puneños. Sin embargo, también amerita que la historia del arte puneño se ocupe de los artistas que han venido representándonos a lo largo del tiempo y aún se encuentran en el anonimato. Finalmente, debemos remarcar que Yanariko es una bisagra para el estudio de la plástica puneña -especialmente en la técnica de la acuarela- del último tercio del siglo XX e inicios del nuevo milenio; por ello, debemos hacer énfasis en la producción simbólica de Yanariko, la cual nos recuerda que el paisaje telúrico de nuestro altiplano también puede verse desde una concepción volátil de un romanticismo pictórico que nos hace convivir con una naturaleza inhóspitamente habitada.